Penanda penantang

Philippe Parreno, salah satu inovator paling produktif di dunia seni internasional, telah menjadi seniman pertama yang menempati 22.000 meter persegi seluruh Palais de Tokyo, Paris. Bekerja di seluruh Eropa dan Amerika Serikat, seniman dan pembuat film Perancis telah menghabiskan 20 tahun terakhir mendefinisikan kembali ide pameran, menganggapnya sebagai karya seni tunggal dalam haknya sendiri. Pertunjukan Parreno menggunakan segala sesuatu mulai dari suara hingga gambar, film hingga patung dan pertunjukan hingga instalasi ringan, dengan semua elemen berfungsi bersama secara terpadu, sering kali menyampaikan tema historis dan sosiologis.

Anywhere, Anywhere Out of the World digambarkan oleh Randall Peacock, desainer dan kolaborator set: “Sebagai perkembangan logis dari praktik Parreno dan penyulingan ide-idenya.” Pertunjukan di Palais de Tokyo menggabungkan Marilyn, sebuah film yang dibuat pada tahun 2012, yang menyesalkan hilangnya bintang Hollywood yang terkenal itu; Annlee, karakter Manga yang Parreno beli dengan Pierre Huyghe pada 1999; dan proyeksi multi-saluran Zidane: a 21st Century Portrait (2006), serta menampilkan karya-karya seniman sebelumnya.

Parreno berulang kali memamerkan karya seni tertentu, karena praktiknya sepenuhnya spesifik lokasi: ketika karya diposisikan ulang dan dikontekstualisasikan ulang, mereka mengambil makna baru. Speech Bubbles (1997), adalah contoh utama: sekumpulan gelembung pidato kartun yang diisi helium kosong, masing-masing awalnya dimaksudkan untuk membawa slogan-slogan serikat pekerja selama demonstrasi. Selama bertahun-tahun Parreno telah menggunakan kembali balon Mylar sederhana ini – menyemprotkannya merah, putih dan emas, membiarkannya mengapung atau menerangi mereka dari atas, melihat potongan itu berubah dari riang menjadi menyenangkan. Dalam Alien Affection (2002), Parreno menjelaskan bahwa balon-balon ini berarti bahwa “semua orang dapat menandai permintaan mereka sendiri, sambil tetap berpartisipasi dalam gambar yang sama,” sebuah ide yang mengekspresikan seluruh metodologinya: untuk menghasilkan instalasi tunggal yang memungkinkan pengalaman unik yang tak ada habisnya.

Randall Peacock berkomentar bahwa setiap karya Parreno menggabungkan banyak narasi dan tanda untuk memastikan bahwa “makna pertunjukan dihasilkan oleh individu: ketika Anda melihat ruang, Anda merefleksikan pengalaman Anda ke dalamnya – setiap orang membaca tanda-tanda secara berbeda.” faktanya, dengan hamparan suara dan gambar yang sangat kontradiktif seperti itu, sulit untuk menentukan tema yang bisa dilihat – Di mana saja, Di mana saja, lebih banyak sensor yang berlebihan daripada apa pun secara langsung.

Massa tanda sumbang yang merumuskan pertunjukan ini disatukan oleh satu soundtrack, balet Igor Stravinsky, Petrushka (1911). Parreno telah lama disibukkan dengan ide-ide gerakan boneka dan otomatronik dan, dimainkan secara otomatis seolah-olah oleh tangan-tangan hantu di empat piano Disklavier, balet Rusia ini menceritakan kisah boneka pesulap yang hidup kembali. Skor aslinya dimaksudkan sebagai duet piano, namun, ingin memasukkan lapisan jenius lain ke dalam pameran, Parreno memilih untuk menggunakan penampilan solo mengesankan Mikhail Rudy – tarian kunci yang panik menciptakan ketegangan yang cemas.

Dapat dilihat di setiap kamar Palais de Tokyo, Petrushka, menurut Peacock, “adalah ikan haring merah dalam beberapa hal, karena itu bukan narasi menyeluruh untuk pameran” tetapi lebih merupakan konduktor dari bagian-bagiannya, tetapi lebih merupakan konduktor dari bagian-bagiannya, koreografi gerakan melalui Palais ” dengan dalang sebagai sistem kontrol pusat untuk pertunjukan. “Peacock melanjutkan:” Ini bukan kuncinya, tetapi hanya sebuah petunjuk tentang makna karya tersebut, yang sepenuhnya subjektif. “

Author: Akang Samsul

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *